Mary in the Junkyard ist auf ihrem Debütalbum „Role Model Hermit“ mit dem Aufbau der Welt beschäftigt
Die Londoner Mary in the Junkyard verwebt Volksmärchen und Fabeln in „Role Model Hermit“, einem eindringlichen, selbstbewussten Debütalbum, das Zuhörer dazu einlädt, sich in der düsteren, bezaubernden Welt der Band zu verlieren.
Stream: „Role Model Hermit“ – Mary auf dem Schrottplatz
LDas in Ontario ansässige Trio Mary In The Junkyard hatte die Indie-Musikszene bereits mit der Veröffentlichung ihrer Breakout-Singles „Tuesday“ und „Ghost“ Anfang 2024 fasziniert.
Zwei Jahre, sieben Singles, ein Vorprogramm für Wet Leg und ein öffentlich gefeierter KEXP-Auftritt später hat die Band eine elektrisierende Vorfreude auf ihr Debütalbum aufgebaut. Veröffentlicht am 3. Juli über AMF Records, Vorbild Einsiedler erfüllt diese Vorfreude, indem Produzent Oli Bayston (Boxed In) das einzigartige Universum der Band aus dunklen Fabeln und komplizierten Melodien verstärkt.
Vorbild Einsiedler Es beginnt mit dem coolen, atmosphärischen „Mantra III“, das jedes Instrument als einen Charakter vorstellt, der von seinem jeweiligen Bandmitglied gespielt wird. Clari Freeman-Taylor (Gesang, Gitarre, Cello, Bratsche, Violine) wiederholt den Satz „Es gehört dir, Baby, du verdienst es“ zu langsam wirbelnden Gitarrenmelodien, während Saya Barbaglia (Bass, Bratsche, Violine, Hintergrundgesang) und David Addison (Schlagzeug) sie auf der Bratsche und leichten Percussion begleiten. Das aus dem Sanskrit stammende Wort Mantra bedeutet „ein Werkzeug für den Geist“. Der Titel lädt die Zuhörer dazu ein, ihre Gedanken neu zu fokussieren und in die Welt des Albums einzutauchen, so wie ein Mantra Raum schafft, um sich mit der eigenen spirituellen Kraft zu verbinden.
„Wir wollten etwas machen, in dem sich die Leute verlieren können“, erzählt die Band Atwood Magazin. „Unsere früheren Veröffentlichungen waren oft eher chaotisch, aber wir wollten, dass die Songs auf dem Album wie Höhlen oder Wälder wirken, Dinge, in die man tiefer eintauchen kann, je mehr man zuhört.“
Das heißt, wir beginnen unsere Wanderung tiefer in die Höhle (oder den Wald). Vorbild Einsiedlerstoßen wir auf „Blood“ und „Seek and Destroy“, zwei beruhigend düstere Tracks, deren fesselnde Gitarrenriffs an das erinnern, was die Zuhörer bei den vorherigen Breakout-Singles der Band faszinierte. In „Blood“ spricht Freeman-Taylor über die neu entdeckte Liebe, drückt ihre Hingabe aus und bittet im Gegenzug um eine ähnliche Bestätigung. „Ich kenne Clari so gut, dass ich die Veränderung in ihr spüren konnte; dieser Gesang konnte nur in diesem Moment aufgenommen worden sein“, erinnert sich Barbaglia.
Einer der textlich verletzlichsten Titel des Albums, „Seek and Destroy“, fängt nachvollziehbare Gefühle sozialer Angst ein, mit Zeilen wie „Alle Jungs sind heute Abend an der Bar, aber ich kann es nicht ertragen, wenn Dinge unausgesprochen bleiben,” Und “Diese Welt ist zu viel für mich, ich bin nur ein Baby. Das ist alles, was ich tun kann, um am Leben zu bleiben.“ Es besteht ein offensichtlicher Widerspruch zwischen der sanften Wiedergabe dieser Zeilen und dem vielschichtigen Hintergrundgesang, der zu knurren scheint, während er die Worte wiederholt: „suchen und zerstören” immer und immer wieder.
Ich habe den ganzen Tag an dich gedacht
Ja, das ist alles, woran ich denken kann
Man sagt, dass Liebe dich nackt macht
Und du musst mich bedecken
Als Single vor dem Album veröffentlicht, ist „New Muscles“ ein unbestreitbares Highlight. Der Track ist sowohl tänzerisch als auch volkstümlich und ruft Bilder von Waldlandschaften hervor, die man in einer modernen Adaption von erwarten würde Peter Pan. Ungefähr nach 45 Sekunden setzt ein melancholisches Cello ein, das den Song verdunkelt und eine unerwartete Ebene klanglicher Reife hinzufügt, für die die Band bekannt ist. „Ich stand in der Ecke des Zimmers, als wäre ich an der Wand festgeklebt. Ich habe so lange in meinem Kokon verbracht und bin jetzt voll ausgebildet„, singt Freeman-Taylor mit ihrem gewohnt wehmütigen Flair.
Dieses Gefühl steht im Gegensatz zu dem von „Seek and Destroy“ und drückt ein Gefühl des Selbstvertrauens statt der Angst aus, als würde der innere Geist des Erzählers aus dem Winterschlaf erwachen. Diese Gegenüberstellung spiegelt auch den Albumtitel wider, Vorbild Einsiedler. „Der Titel stammt aus einer Art astrologischer Lesart – Claris Freundin hat eine weise Tante, die ihr sagte, sie sei eine Vorbild-Einsiedlerin. Wir finden, es ist eine gute Darstellung dessen, was es bedeutet, ein Künstler zu sein: Man lebt die Hälfte seines Lebens als Einsiedler, der Ideen keimt und entwickelt, und die andere Hälfte als Vorbild, indem man den Menschen seine Kunst zeigt.“
Bei Titeln wie „Myrtle“ und „Peter the Dog“ wirken die Texte des Albums zunehmend mythischer und allegorischer, was den Hörer glauben lässt, dass wir tiefer in das Land der Volksmärchen vordringen. „Wir leben nur ein Leben, aber es passieren ständig viele, viele Leben um uns herum“, stellt die Band fest. „Und wir sind nicht nur Teil unserer eigenen Geschichten, sondern auch Teil all dieser anderen Geschichten. Fabeln und Metaphern können Ihnen helfen zu verstehen, was in Ihrem eigenen Leben passiert, und sie können Ihnen auch dabei helfen, einfühlsam und sensibel gegenüber anderen Leben und anderen Menschen zu sein.“
Wenn der Erzähler des Albums beispielsweise beginnt, die Figur von Myrtle zu beschreiben, werden die Zuhörer von der Gothic-Traumfrau angezogen, als wäre sie ein jenseitiges fiktives Werk, das einem Lieblingsbuch entsprungen ist, das sie noch nie gelesen haben. „Peter der Hund“ greift den üblichen Anthropomorphismus einer traditionellen Fabel auf, mit Zeilen wie „Der große schwarze Hund hat meine ganze Angst aufgefressen,” Und “Ich habe Teile von mir in seinen großen und offenen Mund gefüttert„, das die Grenzen zwischen Hund und Mensch, Geschichte und Metapher verwischt. Saya Barbaglias Klavierbeitrag schafft einen erhebenden Moment der Leichtigkeit, der sich gut in die Reihenfolge des Albums einfügt.
„Crash Landing“, „Welcome Break“ und „Candelabra“ sind die düstersten Momente des Albums, aber jeder Song fühlt sich in der Atmosphäre, die er schafft, völlig einzigartig an. Es lohnt sich, sich ein Live-Video von „Crash Landing“ anzusehen, da die Verwendung eines Harmoniums durch die Band in diesem Format voll zur Geltung kommt – eine fesselnde Instrumentalwahl für einen solch verheerenden Track. „Welcome Break“ fühlt sich eher wie ein Moment der Wiedergeburt an, mit einem Gitarrenriff, das so schön dahintreibt wie eine klassische Radiohead-Linie. „Candelabra“ ist einer der zeitlosesten Songs des Albums. Die mit den Fingern gepickte klassische Gitarre schafft Raum für den Gesang, um Texte mit ernstem Bekenntnis zu liefern: „Ich möchte, dass du mich durch meine Songs kennst; sie sind so viel klarer als alles, was ich sagen könnte.“
„Das Erstellen und Veröffentlichen des Albums war ein viel längerer und umfangreicherer Prozess, als wir dachten“, teilt die Band mit. „Es fühlt sich an, als wäre es von einem Samen über ein Gemüse zu einem ganzen blühenden Beet gewachsen, mit all den Videos und dem Artwork und der Live-Show und sogar Dingen wie Interviews.“
„Thou Shalt Sprout“ ist die beste Verkörperung der Absichten der Band für das gesamte Album. Ein reichhaltiges Streicharrangement und eine rhythmische Begleitung unterstützen die Texte, die die folkloristischen Ambitionen der Band voll und ganz zum Ausdruck bringen. Sie erzählen die Geschichte eines Erzählers, dessen Ehemann Lebensmittel von einem Markt gestohlen hat, um seine Familie zu ernähren. Ein Bauer vom Markt droht daraufhin, dem Ehemann die Hände abzuschneiden und vergräbt ihn schließlich im Dreck. Aus dieser Stelle im Dreck sprießt eine Fülle von Nahrungsmitteln, die Mutter und Tochter für den Rest ihres Lebens ernähren. Fans von Künstlern wie Joanna Newsom und Kate Bush sollten sich dieses Buch selbst ansehen.
Aber der Bauer, er hat dich gesehen
Und er holte seine Schaufel hervor
Und dich im Dreck begraben
Habe dich da unten begraben
Ich bin zu dieser Stelle gegangen
Und ich sah es sprießen
Mit Pflanzen, die mich ernähren könnten
Früchte würden sie hervorbringen
Dein Herz war eine Rote Bete
Und dein Kopf war ein Zitronenbaum
Deine Arme waren ein Olivenzweig
Deine Haare wurden zu Mais
Du hast mich für immer gefüttert
Unsere Tochter wurde groß und stark
Ich erzählte ihr die Geschichte
Von der Fürsorge ihres Vaters
Vorbild Einsiedler endet mit einer zweiten Fabel, „Maus“, deren Allegorie als Geschichte über eine Beziehung zu einer anderen Person oder zu sich selbst gelesen werden kann. Ungeachtet dessen fühlt sich die Erfahrung, jemanden zu verlieren, nur um zu wachsen und als zwei nicht wiederzuerkennende Menschen wieder zusammenzukommen, wie das perfekte Ende des Albums an. Zweifellos haben sich Mary in the Junkyard während der Entstehung dieses unglaublichen Werks zu noch selbstsichereren und versierteren Künstlern entwickelt.
„Wir hoffen, dass sich das Album und die Welt um es herum wie ein sicherer, magischer Ort anfühlen, in dem die Menschen leben oder den sie einfach für eine Weile besuchen können“, schließt das Trio. „Und vielleicht sogar etwas, das sie dazu inspiriert, Musik oder Kunst zu machen, damit es weiter nach außen wachsen und dieses lebendige interaktive Ding sein kann.“
Bis „Maus“ zurücktritt, Vorbild Einsiedler ist genau der Raum geworden, den Mary in the Junkyard erschaffen wollte: Seltsam genug, um sich darin zu verlieren, intim genug, um sich selbst in sich selbst zu erkennen, und lebendig genug, um sich auch nach dem Ende der Musik weiter zu verändern. Es ist ein bemerkenswert vollständiges Debüt – ein lebendiger, emotional nachhallender Akt des Weltaufbaus, dessen Tür offen bleibt und dessen Wurzeln sich immer noch ausbreiten.
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Stream: „Maus“ – Mary auf dem Schrottplatz
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© Luke Grieve
